Pues una triste noticia en el mundo de la fotografía se ha producido hace escasas horas, la muerte del chileno Sergio Larraín.

Pego el artículo aparecido en el periódico chileno "La Tercera" sobre su fallecimiento y un vídeo de 2009 donde el sobrino de Sergio Larraín lee la carta que su tío le envío en 1982 al enterarse de que quería ser fotógrafo.

Fallece Sergio Larraín, el mítico fotógrafo chileno que renunció al mundo.

El fotógrafo chileno Sergio Larraín, reconocido por su trabajo en la agencia Magnum en la década del 60', y considerado el más relevante de la historia en el país, falleció hoy en Ovalle a los 81 años.

Larraín es considerado un mito viviente del arte fotográfico, y su serie sobre Valparaíso, fue sindicada como el mejor retrato que se ha hecho del puerto. Nacido en 1931 en Santiago, Larraín comenzó a trabajar en fotografía en 1949, y desde temprano tuvo especial inclinación por la estética de la pobreza y la marginalidad, como lo atestigua su trabajo con los niños que vivían a orillas el Río Mapocho.

Este trabajo lo realizó a pedido del Hogar de Cristo y lo consagró internacionalmente. El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa), le compra un par de fotografías, y luego se fue becado por el British Council a Inglaterra. Su trabajo hecho en Londres llegó a manos del mítico fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson, quien lo unió a la agencia Magnum, la más importante del mundo y que fue creada por Robert Capa, entre otros. Esa serie, titulada Londres, fue editado recién en 1998 y es considerado uno de los fotorreportajes más importantes de las últimas décadas.

Posteriormente, su trabajo en París fue publicado en revistas como Paris Match y Life, entre otras, y despertó la admración del escritor argentino Julio Cortázar. También trabajó en esos años en un libro de Pablo Neruda sobre su casa de Isla Negra, y en 1963 editó el libro El rectángulo en la mano.

El mito poco a poco se apoderó de su vida y su trabajo. Durante una sesión en las afueras de la Iglesia de Notre Dame, en París, Larraín capturó una escena imprevista, del que sólo se dio cuenta al revelar el material. Este hecho llegó a oídos de Cortazar, quien escribió el famoso cuento Las babas de diablo inspirado en este episodio de Larraín. Posteriormente, fue el cineasta Micheangelo Antonioni quien inmortalió el episodio en el filme Blow up (1968), una de las cintas más célebres de la historia del cine.

Fue en estos años, a fines de los 60', que Larraín comenzó su retiro. Fui influido por el boliviano Oscar Ichazo, quien lo introdujo en el misticismo oriental, se alejó de la fotografía y se sumergió de lleno en la meditación y el estudio de las culturas filosófico-místicas orientales, abandonando París. Siguiendo a Ichazo, se radicó en el Valle de Azapa, al interior de Arica, donde practicó yoga. Luego se instaló en El Arrayán, y posteriormente, a fines de los 70', se instaló definitivamente en Tulahuén, provincia del Limarí, al interior de Ovalle.

En este período, no aceptó entrevistas y rara vez fue fotografiado. Esta reclusión alimmentó el mito en torno a su persona, como lo corrobora el escritor y periodista chileno Marcelo Simonetti, quien publicó el 2009 la novela El fotógrafo de Dios, donde interpone una ficción en torno a la existencia de Larraín. Simonetti, en su libro, aventura una posible explicación para su autoexilio: huyó luego de una amenaza de la mafia siciliana. Nada de esto fue comprobado.

Según informa el diario Ovallehoy.cl, Larraín falleció a las 9 de la mañana de hoy, en su domicilio de Ovalle, y sus funerales se realizará el jueves en la localidad de Tulahuén, un poblado cerca del Valle del Limarí, donde vivió algunos años.

Web de la Agencia Magnum con imágenes de Sergio Larraín.

Hoy he leído una noticia que contaba como la mayoría de los miembros del consejo del Ayuntamiento de Aberdeen (Washington), han rechazado una propuesta para cambiar el nombre a un puente de la zona. El nuevo nombre que se proponía era el de Kurt Cobain, vecino de Aberdeen y vocalista de la banda Nirvana.

Parece ser que la decisión de rechazar la propuesta de cambio es por la abierta adicción de Cobain a las drogas, y por ser una persona que optó por el suicidio para acabar con su vida.

Evidentemente no entraré a valorar ni la moral de una parte del pueblo americano, ni la cantidad de lugares que existen en los Estados Unidos de América bautizados con el nombre de algunas personalidades cuando menos sospechosas. 

Supongo que Hungría o Inglaterra no pondrían problema a situar un puente con el nombre de Kurt Cobain, ya que ambos países han dedicado una estatua al ex-presidente y ex-actor estadounidense Ronald Reagan. Y demostrando así lo que es tener la manga muy ancha.

El caso es que Nirvana fue una banda que me costó asumir, pero después de pasados unos años la redescubrí, y me parecen geniales.

Por eso mismo, ¡larga vida a legado de Nirvana!

Expongo el artículo que el periodista Alex Vicentes firma hoy en el diario Público, bajo el título "Aquí está el manifiesto postfotográfico". Un exposición concebida por Martin Parr y Joan Fontcuberta replantea el papel de la imagen en tiempos de internet.

Todos reciclamos, hacemos corta y pega, remixeamos y subimos contenidos. Podemos lograr que las imágenes hagan lo que sea. Sólo necesitamos un ojo, un cerebro, una cámara, un teléfono, un ordenador, un escáner, un punto de vista". Así empieza el manifiesto concebido por Martin Parr y Joan Fontcuberta para "From here on" (De aquí en adelante), exposición inaugurada en los Encuentros Fotográficos de Arles, festival que logra concentrar cada verano, desde hace más de seis décadas, a la plana mayor del oficio en la capital de la Camarga francesa.

¿De qué sirve la fotografía cuando todo se encuentra en Google imágenes? A partir de los trabajos de 36 participantes, los comisarios de la muestra exponen los cambios experimentados por la práctica fotográfica ante la saturación de imágenes que caracteriza nuestra época. Más que un creador en el sentido más tradicional del término, el artista que trabaja con la imagen empieza a adoptar el aspecto de un editor de contenidos. "Se convierte en prescriptor de sentidos, en alguien que asigna valor a las cosas y apunta qué quieren decir. El creador de hoy ya no mira el mundo. Mira lo que han mirado los demás", analiza Fontcuberta, teórico de la llamada posfotografía e impulsor de la exposición.

Imagen de Penélope Umbrico que ilustra el artículo del diario Público.

"From here on" recoge obras de artistas surgidos mayoritariamente de la escena amateur. Trabajan con material robado en redes sociales y buscadores de imágenes, que observan con distancia crítica y mirada sarcástica hasta dotarlo de un nuevo significado.

"Hasta ahora, han sido rechazados por el establishment, con la excusa de que no hacían arte de verdad. El objetivo de la exposición es reivindicar su amateurismo. El mundo ya está dominado por fotografías técnicamente mal hechas y captadas con un iPhone", apunta Martin Parr, que cita la Primavera Árabe como punto de inflexión definitivo. Fontcuberta lo secunda: "La fotografía deja de justificarse por sus calidades internas. Ideas como la composición y el instante decisivo desaparecen. También los grandes temas: la muerte, el tiempo y la memoria".

Savia nueva

El fenómeno no es ajeno a los cambios acontecidos en el resto de disciplinas durante el último siglo. El ready-made de Duchamp está a punto de convertirse en centenario. El collage y el fotomontaje ya no sorprenden a casi nadie, como tampoco el sampling y el remix en la música. En literatura, incluso se ha teorizado sobre el intertexto. Pero su equivalente fotográfico sigue molestando. En Arles, la exposición ha sido recibida "con una mezcla de entusiasmo y cabreo", según cuenta Fontcuberta.

"Tal vez, porque plantea una ruptura con maneras de hacer muy institucionalizadas. Por ejemplo, las que caracterizan el funcionamiento de los museos, tan reacios a profetizar, mucho más interesados en el pasado", opina el fotógrafo barcelonés.

"Cuando algo se presenta en un espacio institucional, el potencial de sorpresa, agitación y ruptura que debe tener el arte queda desactivado. Es nuestra obligación buscar savia nueva. Y, a menudo, la terminas encontrando en lugares no artísticos".

No es habitual que fotógrafos consagrados pierdan tiempo buscando en los márgenes. Y todavía menos que se exalten ante "el surtidor continuo de imágenes" derivado del acceso a las nuevas tecnologías, a menudo denunciadas por amenazar los privilegios de los que están en la cumbre."Se trata de una distinción superada. La división no es entre profesionales y amateurs, sino entre lo que tiene interés y lo que no. Es lo que está sucediendo en otras profesiones: existen blogs excelentes y periodistas perezosos",considera Parr, que asegura no sentirse amenazado por los imitadores que le crecen en internet. "No veo por qué debería. Mi posición es increíblemente cómoda. Todo el mundo es bienvenido a esta fiesta", concluye.

Esta pasado fin de semana, Antonio Pérez Río,  nos hablaba de un hecho sucedido hace pocos meses. Ayer, una periodista de La Vanguardia escribía...

© Maloof Collection

Durante cuarenta años de su vida, Vivian Maier (1926-2009) trabajó como niñera. Al morir dejó unas 200 cajas que se han convertido ahora en un valioso legado: más de 100 mil negativos y 3000 fotografías hechos por ella y redescubiertos por un agente de propiedad raíz de 26 años y blogger ‘accidental’, John Maloof.

Maloof, interesado en historia, investigaba para un libro sobre el parque Portage de Chicago en 2007 cuando compró en una subasta un lote de fotos y negativos provenientes de un almacén que vendía el material porque la dueña (Maier) se había quedado sin pagar el costo del almacenaje. Después adquirió el resto del lote que estaba en manos de otro comprador de la subasta pero fue sólo en 2009, cuando apareció un obituario de la niñera en el  Chicago Tribune, que Maloof encontró más información sobre la autora de las fotos y decidió iniciar el blog Vivian Maier-Her Discovered Work.

El blog ha despertado atención mediática en distintos países y se ha ampliado como un proyecto que incluye la publicación de un libro sobre la vida y obra de la fotógrafa, en otoño de este año. También está en producción un documental sobre ella, su búsqueda y hallazgo, titulado Finding Vivian Maier, proyectado para estrenarse en 2012. Y el Centro Cultural de Chicago ha inaugurado el pasado 8 de enero una exposición dedicada al “secreto mejor guardado” de la ciudad.

© Maloof Collection

En sus últimos años, Maier vivió penurias, con dinero de seguridad social y al parecer sin vivienda, aunque en los años 50 un grupo de benefactores -a quienes ella había cuidado de niños- le había dado un piso y dinero para pagar las cuentas. Todo su trabajo pudo haberse perdido si no hubiese sido por la atención de Maloof y la difusión que se le ha dado en la web desde que inició la discusión en Flickr: ¿Qué hago con todo esto? , extendida al blog y Facebook.

Maier era declarada socialista y feminista, apasionada por el cine y el teatro y también por los viajes. En cuanto pudo visitó Manila, Egipto, Beijing, Bangkok, Taiwan, Italia, Francia (donde vivía su familia materna), el suroccidente de los Estados Unidos, Los Angeles y, sobretodo, recorrió incansablemente las calles de Chicago y Nueva York llevando siempre su cámara, su insigne sombrero, a menudo usando chaquetas y zapatos de hombre.

© Maloof Collection

El proyecto Maier continúa. Maloof todavía tiene 90000 negativos para escanear y varios cientos de rollos en blanco y negro para revelar pero es posible ya acercarse a la obra de Maier desde la web y seguir su mirada puesta en las calles de las nuevas urbes creciendo prósperamente y sus personajes. Entre estos, especialmente aquellos que vivían “en las márgenes del éxito”, como describe este artículo del Independent. Sobresalen en el archivo los rostros de los de los chicos sin techo, vagabundos de diverso tipo o las empleadas negras. Un testimonio de contrastes de riqueza y pobreza para nada irrelevante en el actual clima económico y social de algunas grandes ciudades del mundo.

© Richard Avedon

Esta imagen pertenece al fotógrafo americano Richard Avedon. Hoy, en una subasta dentro del Festival Paris Photo, saldrá a la venta. Y se prevée que llegue a venderse por un precio de salida de entre 400.000 y 600.000.

La foto conocida por "Dovima y los elefantes", se realizó en el Cique d´Hiver en 1955.

Buceando un poco por la red, he leído la historia de Dovima, la modelo que protagoniza la imagen de Avedon. Y sinceramente, si hay algo que comentar de la foto, prefiero que sea la historia de la modelo y no lo insultante de que vendan una foto (o cualquier cosa) en ese desorbitadísimo e injusto precio.

 

(...) En 1949, fue empleada en una tienda de caramelos. Cuando abandonaba el restaurante Automat de Manhattan, un editor contribuyente de la revista Vogue se acercó a ella y le preguntó si alguna vez había trabajado como modelo de fotografía. La invitó a una sesión de fotos y al día siguiente estaba posando frente al destacado fotógrafo Irving Penn. Dovima solía estar con la boca cerrada durante las sesiones, logrando que las fotografías lucieran misteriosas. Incluso, su sonrisa era comparada con la de la Mona Lisa. Luego de un año trabajando en el modelaje, Dovima se convirtió en la maniquí mejor pagada de la agencia Ford Models, cobrando 30 dolares por hora.

Dovima trabajó en los años 1950 con diversos fotógrafos de renombre, y apareció en la portada de importantes revistas de modas. Tuvo una cercana relación con Richard Avedon, quien la inmortalizó al fotografiarla entre dos elefantes del Cirque d'Hiver en agosto de 1955. El traje negro que usó en aquella fotografía fue el primer vestido de noche que Yves Saint Laurent diseñó para la marca Christian Dior. Algunas copias de la célebre fotografía están ahora en el Museo Metropolitano de Arte y el Museo de Arte Moderno, ambos en Nueva York.

En 1957, Dovima interpretó a Marion en la película Funny face. El filme, que fue nominado a cuatro premios Óscar en 1958, estaba basado en la vida de Richard Avedon y narraba la historia de un exitoso fotógrafos de moda que intentaba convertir a una vendedora de libros en modelo.

Se divorció de su primer marido, Jack Golden, a fines de 1950. Siete años más tarde, se casó con Allan Murray, con quien tuvo a su hija Allison. El matrimonio terminó en los años 1960 con episodios de violencia. En 1962 y con 35 años de edad, Dovima se retiró del negocio del modelaje. Se mudó a Los Ángeles para comenzar a trabajar como actriz. Perdió la custodia de su hija y su carrera en Hollywood no prosperó. Se ganó la vida desempeñándose en curiosos empleos, tales como vendedora de cosméticos, anfitriona de una pizzería y como mascota de un equipo de sófbol. (...)

Extraído de la Wikipedia.

El trabajador del Arte, Santiago Sierra (Web), fue galardonado hace unos días con el Premio Nacional de las Artes Plásticas 2010.

En la siguiente carta, explica los motivos por los cuales no acepta el premio. Interesante y sincero, ¿cierto?.

Madrid, Brumaire 2010

Estimada señora González-Sinde,

Agradezco mucho a los profesionales del arte que me recordasen y evaluasen en el modo en que lo han hecho. No obstante, y según mi opinión, los premios se conceden a quien ha realizado un servicio, como por ejemplo a un empleado del mes.

Es mi deseo manifestar en este momento que el arte me ha otorgado una libertad a la que no estoy dispuesto a renunciar. 

Consecuentemente, mi sentido común me obliga a rechazar este premio. Este premio instrumentaliza en beneficio del estado el prestigio del premiado. Un estado que pide a gritos legitimación ante un desacato sobre el mandato de trabajar por el bien común sin importar qué partido ocupe el puesto. Un estado que participa en guerras dementes alineado con un imperio criminal. Un estado que dona alegremente el dinero común a la banca. Un estado empeñado en el desmontaje del estado de bienestar en beneficio de una minoría internacional y local.

El estado no somos todos. El estado son ustedes y sus amigos. Por lo tanto, no me cuenten entre ellos, pues yo soy un artista serio. No señores, No, Global Tour.

¡Salud y libertad!

Santiago Sierra